2.5차원 뮤지컬

2.5차원 뮤지컬은 만화, 애니메이션, 게임 등 2차원 미디어의 원작을 바탕으로, 배우가 무대 위에서 이를 연기하는 뮤지컬 장르이다. '2.5차원'이라는 용어는 원작의 2차원 세계와 실제 배우가 구현하는 3차원 무대 공연이 결합된 중간적 성격을 지칭한다. 이는 단순한 원작의 각색을 넘어, 원작의 세계관과 캐릭터성을 무대라는 새로운 매체에 최대한 충실히 재현하려는 시도에서 출발한다.

이 장르의 핵심은 원작에 대한 팬들의 애정과 친숙함을 바탕으로 한다. 따라서 공연의 목적은 원작의 스토리를 그대로 옮기는 데만 있지 않으며, 팬들이 이미 알고 사랑하는 캐릭터와 명장면들을 3차원 현실에서 어떻게 구현하고 재해석할지에 중점을 둔다. 이를 통해 관객은 원작을 새로운 방식으로 체험할 수 있다.

2.5차원 뮤지컬의 개념은 일본에서 시작되었으며, 1974년에 공연된 '베르사이유의 장미'[10]가 초기 사례로 꼽힌다. 이후 이 장르는 일본에서 꾸준히 발전하여 하나의 독자적인 공연 예술 분야로 자리 잡았고, 한국 및 글로벌 시장으로도 확산되고 있다. 이는 단순한 공연을 넘어 미디어 믹스 전략의 중요한 한 축을 이루고 있다.

2.5차원 뮤지컬은 기존의 오리지널 뮤지컬과는 몇 가지 뚜렷한 차이점을 보인다. 가장 근본적인 차이는 원작의 존재 유무이다. 기존 뮤지컬은 대부분 극작가와 작곡가에 의해 처음부터 무대를 위해 창작된 오리지널 스토리를 바탕으로 한다. 반면, 2.5차원 뮤지컬은 이미 존재하고 인기를 얻은 만화, 애니메이션, 게임 등 2차원 미디어의 원작을 각색하여 무대화한다는 점이 특징이다. 이는 원작에 대한 팬덤을 기본 관객층으로 확보할 수 있다는 장점이 있다.

공연의 목적과 접근 방식에서도 차이가 나타난다. 전통적인 뮤지컬이 음악과 연기를 통해 독자적인 예술적 완성도를 추구한다면, 2.5차원 뮤지컬은 원작의 세계관과 캐릭터를 가능한 한 충실히 재현하는 데 중점을 둔다. 배우의 캐스팅은 외모나 분위기가 원작 캐릭터와 유사한지가 매우 중요하게 고려되며, 의상, 헤어, 소품 또한 원작의 시각적 요소를 정확히 구현하는 데 많은 노력이 기울여진다. 이는 원작 팬들이 무대 위에서 '살아 움직이는' 자신이 좋아하는 캐릭터를 보는 데서 오는 만족감을 중시하기 때문이다.

공연의 연출 및 무대 기술 측면에서는 영상 매체와의 결합이 두드러진다. 대형 LED 스크린을 활용해 원작 애니메이션의 장면을 배경으로 사용하거나, 특수 효과를 더하는 경우가 많다. 또한, 배우의 동작과 연기가 원작 캐릭터의 과장된 표정이나 상징적인 포즈를 모방하는 경우가 있으며, 전투 장면 등에서는 연극 무대보다는 서커스나 액션 영화에 가까운 화려한 연기를 선보이기도 한다. 이는 2차원 원작의 다이내믹함을 3차원 무대 위에 구현하려는 시도로 볼 수 있다.

2.5차원 뮤지컬의 가장 큰 특징은 원작의 시각적 세계관을 무대 위에 생생하게 구현하는 데 있습니다. 이를 위해 CG 기술을 활용한 대형 영상 배경, 정교한 조명 효과, 그리고 캐릭터 디자인을 충실히 재현한 화려한 의상과 분장이 핵심 요소로 작용합니다. 특히 애니메이션이나 게임 속 캐릭터의 독특한 헤어스타일과 의상은 팬들의 높은 기대를 충족시키기 위해 세심하게 제작됩니다.

또한, 원작의 액션과 특수 능력을 재현하기 위한 다양한 스턴트 연기와 안무가 중요시됩니다. 검술, 마법 연출, 혹은 캐릭터 고유의 동작을 배우가 구현하며, 때로는 와이어 액션이나 무대 장치를 활용해 비현실적인 움직임을 표현하기도 합니다. 이는 2차원 원작의 역동성을 3차원 무대 위에 옮기는 중요한 시각적 언어가 됩니다.

공연에서는 원작의 명장면이나 아이코닉한 포즈를 그대로 재현하는 '그림 앵글' 기법이 자주 사용됩니다. 이는 마치 원작의 한 컷이 살아 움직이는 듯한 느낌을 주어 관객에게 강한 몰입감과 노스탤지어를 선사합니다. 더불어, 캐릭터의 심리나 상황을 강조하는 상징적인 소품과 무대 세트도 원작의 분위기를 전달하는 데 중요한 역할을 합니다.

2.5차원 뮤지컬의 기원은 일본에서 찾을 수 있다. 이 장르의 초기 형태는 1970년대부터 등장하기 시작했으며, 당시에는 만화나 애니메이션을 원작으로 한 연극 공연이 주를 이루었다. 이러한 시도는 기존의 팬층을 새로운 매체로 끌어들이는 효과가 있었고, 점차 독자적인 공연 형식으로 자리 잡아갔다.

초기 대표작으로는 1974년에 공연된 '베르사이유의 장미'[11]가 자주 언급된다. 이 작품은 이케다 리요의 인기 소녀 만화를 원작으로 하여 무대화했으며, 2차원 원작의 세계관과 캐릭터를 3차원의 무대 위에서 구현하려는 시도의 선구자적인 사례가 되었다. 이후 1980년대와 1990년대를 거치며 애니메이션이나 게임을 원작으로 한 다양한 실험적 공연들이 시도되었다.

이 시기의 작품들은 오늘날의 정제된 2.5차원 뮤지컬과 비교하면 무대 기술이나 각색 방식에서 차이가 있었지만, 원작의 인기와 팬들의 열정을 기반으로 한 새로운 형태의 공연 예술이 태동하고 있음을 보여주었다. 이러한 초기 실험들은 일본 내에서 장르의 토대를 마련하는 데 중요한 역할을 했다.

일본에서 2.5차원 뮤지컬은 1970년대부터 그 기원을 찾을 수 있다. 1974년에 공연된 베르사이유의 장미[12]는 인기 만화 원작을 뮤지컬로 각색한 초기 성공 사례로 기록된다. 이후 1990년대에 들어서면서 본격적인 발전이 시작되었는데, 특히 코믹 마켓과 같은 서브컬처 행사의 성장과 함께 애니메이션과 게임의 팬층이 두터워지면서 이들을 대상으로 한 공연 시장이 형성되기 시작했다.

2000년대 중반을 거치며 2.5차원 뮤지컬은 일본 공연 시장의 한 축으로 자리 잡았다. 넬케 플래닝과 같은 전문 제작사가 등장하여 체계적인 제작 시스템을 구축했고, 뮤지컬 테니스의 왕자님과 같은 대형 시리즈가 장기간에 걸쳐 수백 회 이상 공연되는 등 상업적 성공을 거두었다. 이 시기에는 원작의 인기에 기대는 것을 넘어, 고퀄리티의 무대 장치, 정교한 의상, 그리고 배우들의 열연이 어우러져 독자적인 장르로서의 위상을 공고히 했다.

2010년대 이후로는 그 발전과 확산이 더욱 가속화되었다. 단순히 원작의 스토리를 따라가는 것을 넘어, 오리지널 스토리를 추가하거나 여러 원작을 크로스오버하는 등 콘텐츠의 다양화가 이루어졌다. 또한, 아이돌 문화와 결합한 연극이나, 가상 현실 기술을 접목한 실험적인 시도도 나타났다. 이러한 노력은 기존의 오타쿠 층을 넘어 더 일반적인 관객까지 유입시키는 결과를 가져왔으며, 일본을 대표하는 문화 콘텐츠 수출의 한 형태로도 주목받게 했다.

2.5차원 뮤지컬은 일본에서 태동하여 성장한 장르로, 이후 한국을 비롯한 아시아 지역으로 활발히 진출하며 글로벌한 영향력을 확장해 왔다. 한국에서는 2010년대 초반부터 본격적으로 소개되기 시작했으며, 일본의 인기 만화나 게임을 원작으로 한 작품들이 먼저 공연되었다. 초기에는 일본 제작사의 라이선스를 받아 한국어로 공연하는 형태가 주를 이루었지만, 점차 한국의 웹툰이나 웹소설 등 자체적인 2차원 원작을 바탕으로 한 한국형 2.5차원 뮤지컬도 제작되기 시작했다.

한국 진출의 대표적인 초기 사례는 일본의 인기 애니메이션을 원작으로 한 작품들이었으며, 이는 기존에 원작을 알고 있는 팬층을 안정적으로 확보할 수 있는 전략이었다. 한국의 대형 공연 제작사들이 일본의 주요 2.5차원 뮤지컬 제작사와 협력하여 라이선스 공연을 올리면서 시장이 형성되었다. 이후 한국은 일본에 이어 2.5차원 뮤지컬의 주요 생산 및 소비 시장으로 자리매김하게 되었다.

글로벌 진출 측면에서는 한국과 일본의 인기 작품들이 해외 공연을 통해 확산되는 경향을 보인다. 특히 한국에서 제작된 2.5차원 뮤지컬 중 일부는 일본이나 대만, 중국 등 아시아 국가에서 현지어 버전으로 공연되기도 한다. 또한 뮤지컬의 주요 시장인 뉴욕 브로드웨이나 웨스트엔드와 같은 지역에는 아직 본격적으로 진출하지 못했지만, 관련 콘텐츠의 글로벌 인지도 상승과 함께 향후 진출 가능성에 대한 관심이 높아지고 있다.

이러한 진출은 단순한 공연 수출을 넘어서, 원작 IP의 가치를 높이고 다양한 미디어 믹스 전략의 일환으로 자리잡고 있다. 한국과 일본의 2.5차원 뮤지컬이 아시아를 중심으로 교류하며 장르의 지평을 넓혀가고 있으며, 이는 전 세계 공연 예술 시장에서 하나의 독특한 흐름으로 주목받고 있다.

2.5차원 뮤지컬의 제작 과정에서 가장 핵심적인 단계는 원작의 각색과 극화이다. 이는 만화, 애니메이션, 게임 등 2차원 미디어에 존재하는 이야기와 캐릭터를 무대라는 3차원 공간에서 살아 움직이는 작품으로 변환하는 작업이다. 각색 과정에서는 원작의 핵심 줄거리와 명장면, 캐릭터 관계를 유지하면서도, 무대 공연의 시간적 제약과 특성을 고려해 서사를 재구성한다. 특히 대사와 노래 가사는 원작의 대사나 분위기를 반영하되, 극적인 효과를 높이기 위해 새롭게 창작되거나 각색되는 경우가 많다.

극화 작업에서는 원작의 정신과 분위기를 무대 위에 구현하는 데 중점을 둔다. 원작의 세계관을 설정하는 배경과 의상, 캐릭터의 독특한 헤어스타일과 소품은 매우 세심하게 재현된다. 이 과정에서 원작의 팬들이 가장 공감할 수 있는 시각적 요소를 선별하고 강조하는 것이 중요하다. 예를 들어, 캐릭터의 상징적인 포즈나 기술, 원작에서 반복적으로 등장하는 아이템은 무대 위에서도 충실히 재현되어 팬들의 몰입감을 높인다.

각색의 난점은 원작의 비현실적이거나 과장된 표현을 무대 위에서 어떻게 현실감 있게 소화할 것인가이다. 애니메이션이나 게임에서 자주 등장하는 화려한 전투 장면이나 마법 효과는 특수효과, 영상 프로젝션, 정교한 무대 장치, 배우의 연기와 춤을 결합하여 창의적으로 해석된다. 때로는 원작의 정적인 그림을 동적인 댄스나 안무로 변환하기도 한다. 이 모든 과정은 원작에 대한 깊은 이해와 동시에 무대 예술로서의 독자성을 확보하기 위한 창의적 각색이 요구된다.

성공적인 각색은 원작 팬에게는 친숙한 세계를 새로운 방식으로 체험하게 하고, 뮤지컬 자체에 익숙한 관객에게는 매력적인 스토리와 캐릭터를 선사하는 교량 역할을 한다. 따라서 제작진은 원작의 충실한 재현과 무대 예술로서의 완성도 사이에서 세심한 균형을 찾아야 한다. 이러한 각색과 극화 과정을 통해 2차원 콘텐츠는 완전히 새로운 생명력을 얻어 2.5차원 뮤지컬로 재탄생하게 된다.

2.5차원 뮤지컬의 캐스팅은 원작의 캐릭터를 얼마나 충실히 재현할 수 있는지가 가장 중요한 기준이 된다. 따라서 외모, 목소리, 연기 스타일 등이 원작 캐릭터의 이미지와 유사한 배우를 선발하는 것이 일반적이다. 특히 원작이 애니메이션이나 게임인 경우, 캐릭터의 독특한 헤어스타일, 의상, 그리고 과장된 동작과 표정을 무대 위에서 재현하는 능력이 요구된다. 이는 기존의 오리지널 뮤지컬과 구별되는 큰 특징이다.

캐스팅 과정은 원작 팬덤의 기대를 중시하며, 때로는 팬들의 의견이 반영되기도 한다. 많은 경우, 유명한 성우나 원작과 인연이 있는 배우가 캐스팅되며, 이는 팬들의 이목을 끌고 작품에 대한 신뢰도를 높이는 효과가 있다. 또한, 동일한 배우가 시리즈 작품에서 동일한 역할을 계속 맡는 경우도 많아, 배우와 캐릭터가 강하게 결합되는 현상이 나타난다.

2.5차원 뮤지컬 배우는 노래, 춤, 연기의 기본기를 갖춘 것은 물론, 원작의 세계관을 이해하고 캐릭터의 정신을 구현해야 한다. 특히 액션이 많은 작품의 경우 무술이나 체력이 요구되며, 대규로 구성된 무대에서의 체력적 소모도 크다. 이들은 단순한 배우를 넘어 원작 캐릭터를 구현하는 '구현자'로서의 역할을 수행한다.

이러한 캐스팅 방식은 전용 극단이나 프로덕션을 통해 이루어지는 경우가 많다. 일본의 경우 특정 작품 시리즈를 전문으로 하는 극단이 운영되며, 한국에서도 2.5차원 뮤지컬에 특화된 프로덕션과 배우들이 활동하고 있다. 이는 장르가 하나의 독립적인 공연 산업으로 자리 잡는 데 기여하고 있다.

2.5차원 뮤지컬의 무대는 원작의 세계관을 생생하게 구현하기 위해 다양한 영상 기술을 적극적으로 활용한다. 무대 디자인에 LED 스크린이나 투명 스크린을 도입하여 배경을 실시간으로 전환하거나, 애니메이션 속 장면을 그대로 재현하는 경우가 많다. 이를 통해 만화나 게임 속에서만 볼 수 있었던 판타지적인 공간이나 역동적인 액션 장면을 무대 위에 구현해 낸다.

특히 영상 매핑 기술은 무대 장치와 배우의 움직임에 정확하게 영상을 합성하여, 마치 2차원 원작이 살아 움직이는 듯한 착시 효과를 창출한다. 이는 단순한 배경 이상으로, 서사 진행에 직접 참여하는 핵심적 시각적 요소가 된다. 예를 들어, 캐릭터의 특수 능력 발현이나 공간의 급격한 변형을 영상으로 표현함으로써 관객에게 강렬한 몰입감을 선사한다.

이러한 무대와 영상의 결합은 공연의 한계를 넘어선 확장된 경험을 제공한다. 라이브 액션 배우의 연기와 CG 영상이 실시간으로 어우러져, 관객은 마치 원작 속에 직접 들어온 듯한 느낌을 받게 된다. 이는 기존의 뮤지컬이나 연극과 구분되는 2.5차원 뮤지컬만의 독특한 미학이자 기술적 특징으로 자리 잡았다.

2.5차원 뮤지컬은 원작에 대한 강한 애정을 가진 기존 팬층을 기반으로 독특한 팬덤 문화를 형성한다. 이 팬덤은 단순한 관객을 넘어서 적극적인 참여와 소비를 통해 공연 생태계를 지탱하는 핵심 축으로 작용한다. 공연 전후로 이루어지는 배우와의 악수회, 사인회, 굿즈 구매 행렬은 공연 자체 못지않은 중요한 문화적 의식이 되었다. 특히 일본에서는 이러한 현상이 두드러져, 한 작품을 수십 번 관람하는 '다관' 문화와 소장용 굿즈 수집이 팬덤 내 정체성과 지위를 나타내는 요소가 되기도 한다.

팬덤의 활동은 공연장을 벗어나 활발하게 펼쳐진다. 팬들은 SNS를 통해 공연 장면이나 배우의 모습을 공유하고, 자체 제작한 2차 창작물을 유통하며 커뮤니티를 확장한다. 특히 트위터, 틱톡 등의 플랫폼은 실시간 소통과 정보 공유의 중심지 역할을 한다. 또한, 팬들은 자신이 좋아하는 배우의 다른 작품을 찾아보거나, 동일 배우가 출연하는 공연을 연속으로 관람하는 등 배우 중심의 팬 활동도 매우 활발하다. 이는 2.5차원 뮤지컬이 원작 캐릭터와 배우 개인의 매력이 결합된 독특한 스타 시스템을 만들어냈기 때문이다.

이러한 팬덤 문화는 공식 측면에서도 적극적으로 수용 및 장려된다. 제작사는 한정판 굿즈 판매, 이벤트 한정 사진 카드 제공, 공연 후 악수회 티켓 연동 등 다양한 방법으로 팬의 참여와 소비를 유도한다. 때로는 팬들의 요구나 반응이 후속 공연의 각본 수정이나 캐스팅 변경에 간접적으로 영향을 미치기도 한다. 결과적으로, 2.5차원 뮤지컬의 팬덤은 수동적인 관람자에서 능동적인 공동 제작자이자 소비자로서의 역할을 수행하며, 장르의 지속적인 성장과 시장 확대의 원동력이 되고 있다.

2.5차원 뮤지컬의 미디어 믹스 전략은 단순한 원작의 무대화를 넘어, 하나의 콘텐츠를 중심으로 다양한 미디어 플랫폼을 통해 세계관을 확장하고 팬층을 공고히 하는 체계적인 접근법이다. 이는 원작 만화, 애니메이션, 게임의 팬층을 기반으로 하여, 뮤지컬이라는 새로운 장르로 진입 장벽을 낮추고, 동시에 다른 미디어로의 역이식을 통해 시너지를 창출하는 선순환 구조를 형성한다.

대표적인 전략은 원작의 스토리를 무대에서 재현하는 것에서 시작하여, 오리지널 스토리를 추가하거나 캐릭터의 심층적인 이야기를 다루는 스핀오프 작품을 제작하는 것이다. 예를 들어, 인기 애니메이션을 원작으로 한 뮤지컬이 성공하면, 해당 작품의 인기 캐릭터를 중심으로 한 새로운 공연이 만들어지거나, 뮤지컬 공연의 실황을 담은 DVD 및 블루레이가 발매된다. 나아가 공연의 음악은 오리지널 사운드트랙(OST) 앨범으로, 공연 장면과 배우 인터뷰는 공식 팬북으로 제작되어 판매된다.

이러한 전략은 단일 콘텐츠의 수익 창출을 극대화할 뿐만 아니라, 팬들에게 지속적인 소비와 몰입의 기회를 제공한다. 팬은 원작을 통해 캐릭터에 애정을 가지고, 뮤지컬을 통해 생생한 연기와 음악을 경험하며, 다시 관련 상품을 구매하거나 파생 애니메이션을 시청함으로써 콘텐츠 세계에 더 깊이 빠져들게 된다. 이는 아이돌 산업이나 게임 산업에서 보이는 적극적인 팬 서비스 및 상품화 전략과도 맥을 같이한다.

결국 2.5차원 뮤지컬의 미디어 믹스는 예술과 상업, 원작과 재창조 사이에서 균형을 잡으며, 하나의 강력한 지적 재산권(IP)을 구축하고 장기적으로 가치를 관리하는 현대 엔터테인먼트 비즈니스의 핵심 모델로 자리 잡았다. 이를 통해 장르는 일본을 넘어 한국, 중국乃至 전 세계로 영향력을 확장하는 데 중요한 동력이 되고 있다.

2.5차원 뮤지컬은 단순한 공연을 넘어서 하나의 종합 엔터테인먼트 산업으로 자리 잡았으며, 이는 다양한 관련 상품의 판매와 상당한 경제적 효과를 통해 확인할 수 있다. 공연 티켓 수익 외에도, 공식 굿즈 판매는 중요한 수익원이다. 극장 로비나 전용 판매장에서는 공연 프로그램, 캐릭터 일러스트가 담긴 포스터, 배우 사진이 수록된 포토북, 키링, 아크릴 스탠드, 의상과 동일한 디자인의 복제품 의류 등 다양한 상품이 판매된다. 이러한 상품들은 원작의 캐릭터성과 배우의 퍼포먼스를 결합한 독특한 가치를 지녀 팬들의 강력한 구매 욕구를 자극한다.

더 나아가, 2.5차원 뮤지컬의 경제적 영향력은 미디어 믹스 전략과 깊이 연관되어 있다. 인기 작품은 DVD 또는 블루레이로 제작되어 발매되며, 공연 실황을 담은 이 영상물들은 국내외 팬들에게 중요한 소비재가 된다. 또한, 공연의 사운드트랙 앨범 발매, 배우들의 팬 미팅 또는 토크 쇼 개최, 전용 모바일 애플리케이션 서비스 운영 등 다양한 플랫폼을 통한 수익 창출이 이루어진다. 일부 대형 시리즈는 전용 뮤지컬 극장을 운영하거나, 지역 순환 공연 및 해외 공연을 통해 관광 산업과 연계된 경제적 효과를 발생시키기도 한다.

이러한 산업적 확장은 원작의 인기를 재부각시키고, 새로운 팬 층을 뮤지컬과 원작 양쪽으로 유입시키는 선순환 구조를 만든다. 결과적으로 2.5차원 뮤지컬은 공연 예술 시장을 성장시키는 동시에, 원작이 속한 출판, 애니메이션, 게임 산업에도 긍정적인 경제적 영향을 미치는 핵심 콘텐츠 사업으로 평가받고 있다.

2.5차원 뮤지컬은 태생적으로 예술적 가치에 대한 논쟁에서 자유롭지 못하다. 이 장르의 근간이 되는 애니메이션, 만화, 게임 등 2차원 원작에 대한 충실한 재현과 팬 서비스에 초점이 맞춰져 있다는 점에서, 단순한 원작의 홍보 수단이나 상업적 미디어 믹스의 한環에 불과하다는 비판이 제기된다. 비평가들은 이러한 작품들이 원작의 인기에 기대어 독자적인 예술적 창의성이나 사회적 메시지를 탐구하기보다는, 이미 알려진 스토리와 캐릭터를 안전하게 무대화하는 데 그친다고 지적한다.

이에 대한 반론으로, 2.5차원 뮤지컬은 원작을 새로운 매체로 해석하고 재창조하는 과정 자체에 예술성이 있다는 주장이 있다. 각색 과정에서 원작의 정신을 어떻게 3차원 무대 위에 구현할지, 영상과 조명, 의상 등 다양한 공연 요소를 어떻게 결합하여 새로운 감동을 선사할지에 대한 창의적 고민이 필요하다는 것이다. 특히 배우들은 원작 캐릭터의 이미지를 살리면서도 자신만의 해석을 더해 생동감 있는 연기를 선보여야 하며, 이는 단순한 모방을 넘어선 예술적 행위로 평가받기도 한다.

논쟁의 또 다른 축은 장르의 정체성에 관한 것이다. 일각에서는 2.5차원 뮤지컬을 기존의 뮤지컬이나 연극과 구분되는 독자적인 예술 형식으로 인정해야 한다고 보는 반면, 다른 쪽에서는 이들이 팬덤 문화와 서브컬처에 깊이 뿌리내린 엔터테인먼트 상품에 가깝다고 본다. 이는 해당 작품들의 평가 기준이 순수 예술성보다는 원작 재현의 완성도나 팬들의 만족도에 더 무게를 두는 현실에서 비롯된다.

결국 2.5차원 뮤지컬의 예술성 논쟁은 고정된 답이 존재하기보다, 장르가 지속적으로 성장하고 진화하면서 끊임없이 재검토되는 주제이다. 상업성과 예술성, 오리지널리티와 각색, 팬 서비스와 대중적 접근성 사이에서 균형을 찾는 과정이 이 장르의 미래를 결정할 것이다.

2.5차원 뮤지컬은 원작 팬덤을 주요 관객층으로 삼기 때문에, 원작의 인기와 캐릭터 상품성을 최대한 활용한 상업적 제작 전략이 두드러진다. 이는 공연 자체의 예술적 완성도보다는 원작에 대한 충실한 재현과 캐릭터의 시각적 구현에 초점을 맞추는 경향을 낳았다. 제작사들은 안정적인 수익을 보장받기 위해 이미 검증된 인기 IP를 선호하며, 이는 신선한 오리지널 창작보다는 기존 인기 작품의 각색이 주를 이루는 구조적 원인이 되고 있다.

이러한 상업성 지향은 공연의 콘텐츠와 마케팅 전반에 영향을 미친다. 캐스팅 과정에서 배우의 연기력이나 가창력보다는 원작 캐릭터와의 외모 유사도가 중요시되며, 인기 배우를 기용하여 티켓 판매를 촉진하는 경우가 많다. 또한 공연과 병행하여 한정판 굿즈 판매가 활발하게 이루어지며, 공식 팬미팅이나 핸드셰이크 이벤트 등 다양한 유료 팬 서비스가 제공된다. 이는 공연을 하나의 종합 엔터테인먼트 상품으로 포장하여 경제적 가치를 극대화하는 전략이다.

비판자들은 이러한 지나친 상업성이 예술적 실험과 장르의 발전을 저해할 수 있다고 지적한다. 원작의 팬 서비스를 위한 장면 재현에 치중하다 보니 무대 연출이나 극본의 독자성과 깊이가 부족할 수 있으며, 이는 2.5차원 뮤지컬을 단순한 원작의 '광고'나 '팬 이벤트' 수준으로 격하시킨다는 평가로 이어진다. 결과적으로 이 장르는 대중문화 산업의 한 부분으로서는 성공했을지라도, 독립적인 공연 예술로서의 정체성과 위상을 확립하는 데는 한계가 있을 수 있다는 우려를 낳고 있다.